¿Qué es el Salón Nacional?
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El Salón Nacional de Artistas es el programa estatal de apoyo al arte contemporáneo de mayor trayectoria en Colombia, y su plataforma más visible. El Salón, concebido en 1940 como parte de la política de educación del Gobierno Nacional para establecer vínculos entre artistas y público, ha sufrido varias transformaciones a lo largo de sus 76 años de historia.
Su modelo actual es un esfuerzo por repensar, de un lado, el carácter centralista de un evento que sucedía casi siempre en Bogotá, y, del otro, su condición exclusivamente colombiana. Así, cada versión del Salón actual sucede ahora en una ciudad distinta en un evento donde participan curadores y artistas internacionales para propiciar un diálogo rico y complejo con el arte de otros países. De esta forma se ha consolidado como un evento de arte contemporáneo de gran escala e influencia.
La ciudad de Pereira es la anfitriona de la 44 versión del Salón Nacional de Artistas, gracias a la gestión de la Administración Municipal de Pereira y como resultado de la unión de fuerzas institucionales regionales.
Esta nueva versión, titulada AÚN, desarrollará componentes expositivos, editoriales y de formación alrededor de la encrucijada de territorios y paisajes. La propuesta curatorial de Aún propone una cartografía de obras y procesos; un lente sobre las realidades cotidianas que construyen los paisajes sociales; un mirador para comprender los accidentes, fallas y ondulaciones de un suelo constantemente modificado por infinitas tensiones estéticas, éticas y políticas en un país donde risa y temblor se confunden.
El componente expositivo incluye muestras de más de cien artistas repartidos en cinco sedes —el Museo de Arte de Pereira, el edificio del Antiguo Club Rialto, la Universidad Tecnológica de Pereira, la Alianza Francesa y el Centro Colombo Americano— y en diversos espacios públicos de la ciudad.
A nivel editorial, en el marco del 44SNA se realizarán 14 publicaciones que van desde novelas hasta documentos históricos, que ofrecen un panorama de las posibilidades de los impresos en el campo artístico en un presente que tiende a la digitalización.
Las actividades de formación, que comenzaron en 2015, incluyen programas pedagógicos para mediadores, educadores y público general, así como un seminario académico en los primeros días de octubre en el que se indagará, desde diferentes perspectivas, sobre las posibilidades prácticas de transformar el mundo a partir de la experiencia de las drogas, los espectros y lo alucinatorio.
Para recordarnos que aún estamos y aún pensamos, que aún sentimos y aún creamos, el AÚN 44 Salón Nacional abrirá sus puertas en la ciudad de Pereira entre el 16 de septiembre y el 13 de noviembre de 2016.
Lineamientos conceptuales
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Aún podemos decir: “este país existe”, “se puede hacer esto o aquello”, “las cosas van bien o mal”. Lo importante de esas afirmaciones no es lo que afirman, sino el hecho de que puedan seguir haciéndose. El hecho de que aún puedan hacerse. Siempre al filo de la posibilidad o de la amenaza, el aún requiere del presente un ejercicio de libertad sin promesa. El aún constata la persistencia del ser, revela caminos y delata la acción y la presencia. Sin un para siempre, el aún avanza, revelando un horizonte móvil, hacia el que nos dirigimos sin nunca llegar.
Aún existe el Salón Nacional de Artistas, aun después de incontables transformaciones, críticas y revisiones. O, más bien, gracias a ellas. Existe como un territorio histórico cambiante, y la persistencia de su carácter provisional ha permitido el desarrollo de una estructura que ha sostenido, en gran medida, la historia de eso que llamamos “arte colombiano”.
Alojado en el seno del Paisaje Cultural Cafetero, el Salón Nacional se alza aún como un ejercicio de construcción del presente. Sobre un terreno inestable, donde el país ha visto prosperar buena parte de su historia económica y social, el Salón se pregunta —en esta, su 44 versión— por esos fermentos, fuerzas, capas y espectros que han ido construyendo, simultáneamente, el territorio nacional y las visiones que sobre él se han articulado, diciéndonos a cada momento que aún estamos aquí, que aún estamos juntos, y que aún podemos hacer, para seguir estando.
Bajo un concepto curatorial definido en la encrucijada de territorios y paisajes, la propuesta de Aún es pensarse como una posibilidad, aunque provisional, de autonomía; como una provisión de recursos para abrir caminos y espacios comunicantes entre los distintos mundos que conforman eso que se llama Colombia y que podría definirse como la superposición de diferentes placas tectónicas en constante proceso de reajuste.
Este 44 Salón Nacional de Artistas pone los pies en la tierra a partir de unas expectativas cuya realización es aún posible. Pero se requieren acciones, relatos e interlocuciones para conservar este escenario de posibilidad. Estas son las líneas generales de investigación curatorial y las metodologías cruzadas que definen este espacio:
Territorios en construcción
Aún se concibe como un evento temporal que es también un territorio. Una plataforma en la que confluyen objetivos, disensos, debates, reiteraciones y percepciones. Un observatorio con perspectiva para analizar fenómenos idiosincrásicos. Una cartografía de procesos colectivos. Un lente sobre las realidades cotidianas que construyen los paisajes sociales. Un mirador para comprender los accidentes, fallas y ondulaciones de un suelo constantemente modificado por infinitas tensiones estéticas, éticas y políticas en un país donde risa y temblor se confunden. Un plantar bandera, un armar cambuche, un juntarse a otros, hoy, aquí.
Autonomía provisional
La teoría estética plantea la autonomía como una de las condiciones propias del arte: se nos habla del desinterés estético, del artista como creador de mundos, de la soberanía del sistema del arte, incluso, de que “todo hombre es un artista”. Todas estas son manifestaciones de ese reclamo por un arte sin anclajes ni ataduras. En la práctica, los artistas son la punta de lanza de una casta por venir: el precariado, nunca trabajador formal y nunca simple desempleado, no productor de espectáculos ligeros y no voz de la razón, ni implementador de soluciones ni generador de análisis cuantificables sobre el mundo. El artista hoy, depende de subsidios, de residencias artísticas o de becas de producción, cuando no de un mercado caprichoso o de su capacidad de transformarse a sí mismo en empresario. El artista hoy, sin públicos masivos ni una función definida en la estructura social. Un artista sin ese arte que todo el mundo creía comprender. Es el artista que habla en lenguas, diciendo “créeme”. El artista en la zona gris del espectro de la actividad humana. El artista como un laboratorio vivo de los flujos y tensiones de la dependencia y de la resistencia a la adversidad. En esas condiciones, la pretensión de autonomía se quiebra bajo el peso de su propia fragilidad y, a la vez, genera vías de escape, espacios de soberanía transitoria, montajes y desmontajes hacia otros mundos posibles. Hablamos entonces de una autonomía provisional, cargada de señales, de alianzas improbables, de territorios en definición, de reinos soberanos sin rey ni ley.
La Trocha como Método
Ante la manigua, la trocha. Ante lo inexpugnable, el paso que se abre a machete. Ante la soledad, la mula, la fonda, la canción. La trocha no es autopista, es camino de contrabandistas, de ladrones, de exploradores. La trocha nos responde cada vez que preguntamos dónde estamos y de dónde venimos, por dónde vamos pasando y hacia dónde estamos yendo. Estas preguntas por el carácter de esos espacios que atravesamos antes de tomar posesión y de posicionarnos, se nos cuenta, eran el punto de inicio para la enseñanza antigua del latín: Ubi, Quo, Unde, Qua. La trocha es cultura, es el camino –que en griego es Odos– y es también, de alguna manera, un primer método: abrir paso, conectar puntos separados, confiar en la propia marcha y en el cruce fortuito con otros senderos.
Contaminaciones
A partir de la Constitución de 1991, el país entendió la necesidad de definirse como pluricultural. Los estudios sociales empezaron a interesarse por ese crisol de culturas, manifestaciones y prácticas que tejen este territorio inestable y palpitante que es Colombia. Del mismo modo, las disciplinas de las ciencias sociales se mostraron insuficientes para generar sinergias complejas de articulación de la realidad y debieron combinarse, mezclarse y desdibujarse para responder a preguntas que excedían sus posibilidades específicas. Lógicas de la multi, la inter y la transdisciplinariedad llegaron para quedarse y redefinir los sistemas válidos para la producción de ficciones estructurales y de narrativas funcionales que nos permitan entender el mundo, un mundo múltiple e impuro en la complejidad de sus accidentes, mutaciones, transiciones y adaptaciones. Mecánicas de fluidos y reagrupaciones improbables de partículas elementales nos impulsan a construir saberes nuevos y a identificar los nuevos problemas de esos saberes. Contaminación en la búsqueda, filtración en las informaciones, mutación de formas discursivas son necesarias para hacer frente a la usurpación del territorio por fuerzas que operan otras formas de contaminación del territorio, estas sí nefastas, bajo el discurso del esencialismo, del retorno al origen y de la producción desenfrenada de eso que han dado en llamar “riqueza”.
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Rosa Ángel
Dirección artística
Maestra en Bellas Artes de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, Bogotá, con maestría en tecnologías digitales interactivas de la Universidad Complutense, Madrid, y con estudios de doctorado en artes de la Universidad de Castilla la Mancha, Cuenca.
Formada como artista y con una experiencia diversa en áreas como los audiovisuales y la gestión cultural, ha sido co-curadora, con Adriana Arenas, del 12 salón Regional de Artistas Zona Centro Occidente eje[s] imaginario[s] (2007) y tutora y miembro del comité regional de la investigación curatorial de los 13 Salones Regionales de Artistas (2009).
Desde 2006, ha sido la curadora del Museo de Arte de Pereira en varios periodos, concentrándose a partir de 2012 en una serie de exposiciones que exploran, desde varios ángulos y a partir de la obra de distintos artistas, la riqueza y resonancia del paisaje y la noción de territorio. Entre estas exposiciones se encuentran la colectiva Río arriba, río abajo (2013) y las individuales Estudios comparados de paisaje, de Alberto Baraya (2015) y Siguiendo el río, de Natalia Castañeda (2016).
Vive y trabaja en Pereira.
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Equipo curatorial
Víctor Albarracín
Escritor, curador y artista visual. MFA en Public Practice del Otis College of Art and Design, Los Angeles. Vive y trabaja en Bogotá.
Entre 2005 y 2009 coordinó las actividades de El Bodegón – Arte contemporáneo y vida social, Bogotá y desde 2010 ha realizado proyectos curatoriales independientes en Bogotá y Los Ángeles, CA., donde hace parte, desde 2014, del equipo curatorial de Selecto–Planta Baja.
Ha sido columnista, redactor, reseñista y traductor para distintas publicaciones culturales en Colombia y el exterior. Es autor de tres libros, publicados en Colombia, Noruega y los Estados Unidos. Ha sido docente, asesor de proyectos y jurado en las facultades de arte de distintas universidades en el país, y también laboratorista y tutor de los Laboratorios de Investigación-Creación del Ministerio de Cultura. Como artista, ha participado en numerosas exposiciones en Colombia y en el extranjero.
En 2009 obtuvo el Premio Nacional de Crítica y, en 2012, la beca Fulbright–Ministerio de Cultura para artistas. Actualmente es director artístico de Lugar a dudas, Cali.
Inti Guerrero
Curador y crítico colombiano radicado en Hong Kong. Estudió Historia y Teoría del arte y la arquitectura en la Universidad de los Andes en Colombia y en la Universidade de Sao Paulo en Brasil, y completó el Programa curatorial de Appel en Holanda. Entre 2011 y 2014 fue director artístico asociado y curador de TEOR/éTica, un espacio para el arte y pensamiento fundado en 1999 en San José, Costa Rica. Sus curadurías han sido exhibidas en museos y centros del arte alrededor del mundo incluyendo: Tate Modern, Londres; Museo de Arte Moderno de São Paulo; Minsheng Museum, Shanghai; Museo Carrillo Gil, Ciudad de México; Fundación Kadist, San Francisco; Museo de Arte Contemporáneo de Vigo; Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turín, y Museo de Arte de Río, Río de Janeiro. Sus textos han sido publicados en libros, catálogos y revistas incluyendo Afterall, Ramona, The Exhibitionist, ArtNexus, Manifesta Journal y Art Asia Pacific.
Guillermo Vanegas
Psicólogo de la Universidad Nacional de Colombia, con estudios de Maestría en Historia del Arte, la Arquitectura y la Ciudad del mismo centro educativo. En 2010, fundó Reemplaz0, entidad con la que trabaja en la realización de propuestas artísticas y de reflexión teórica sobre arte y cultura contemporánea. Con Reemplaz0, ha realizado curadurías de arte contemporáneo e históricas en el Centro Colombo-americano, la galería Valenzuela Klenner y el Museo de Arte Moderno La Tertulia en Cali, la galería nueveochenta y la Cámara de Comercio de Bogotá. En 2009, fue curador de Preámbulo, 13 Salones Regionales de Artistas para Cundinamarca y Boyacá, incluida luego en Independientemente, 42 Salón Nacional de Artistas, Cartagena.
Entre sus distinciones se cuenta la Beca de investigación monográfica sobre artistas colombianos, Ministerio de Cultura, 2015, por su investigación sobre la obra José Horacio Martínez; mención en el Premio Nacional de Crítica 2006, el Premio Internacional de Crítica de Arte, organizado por la revista española Lápiz en 2005 y el Premio de Ensayo Crítico, otorgado por el Instituto Distrital de Cultura y Turismo de Bogotá, ese mismo año. Desde 2007 se ha desempeñado como profesor en varias universidades de Bogotá. Escribe regularmente para medios virtuales e impresos de Colombia y España.
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Curadores invitados
Pamela Desjardins (Tucumán, Argentina, 1982)
Curadora argentina. Realizó la maestría en Teoría y Estética del Arte Contemporáneo en la Universidad Autónoma de Barcelona y el Programa de Estudios Independientes (PEI) en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. Desde el 2014 hasta la actualidad es curadora en residencia (Beca Lily Scarpetta) en FLORA ars+natura, en donde ha producido exposiciones de artistas como Doris Salcedo, Carlos Garaicoa, Lucia Koch, Antonio Caro, Raúl Zurita y Patrick Hamilton, entre otros. Le interesa principalmente el cruce entre prácticas artísticas y curatoriales. Obtuvo la beca Résidence des Amériques para curadores otorgada por el Consejo de las Artes de Montreal para desarrollar un proyecto en Founderie Darling (Montreal,2013). Colaboró como curadora en la selección de artistas latinoamericanos para el No 3 de la revista sobre dibujo HB (2013). Fue ganadora del Travel Grant otorgado por Getty Foundation para asistir a la Conferencia Anual del CIMAM (International Committee for Museums and Collections of Modern Art) en Doha, Qatar, (2014) y participó representando a Colombia en el Simposio sobre modelos institucionales y el programa de visitas organizado por Mondriaan Found (Amsterdam, 2015). Vive en Bogotá
Ximena Gama (Bogotá, Colombia, 1982)
Filósofa de la Universidad Nacional de Colombia y Especialista en Historia y Teoría del Arte Moderno y Contemporáneo de la Universidad de los Andes. Ha colaborado en distintos proyectos de investigación en arte latinoamericano en Estados Unidos y Colombia. Trabajó en el Museum of Fine Arts en Houston (MFAH) y en el centro de investigación ICAA (International Center of The Arts of the Americas), Sicardi Gallery (Houston) y Cecilia de Torres L.T.D (Nueva York). Centra su trabajo como curadora en las prácticas contemporáneas latinoamericanas. Fue curadora del Espacio Odeón en Bogotá y en el 2016 co-curadora de Luis Roldán: Periplo, una retrospectiva (Museo de Arte del Banco de la República). Obtuvo en el 2015 el Travel Grant de la Getty Fundation para asistir a la conferencia anual del Cimam en Tokio, Japón y en el 2013 la Beca de participación en el Seminario Intensivo de Curaduría impartido por el ICI (Independent Curators International NYC) ICI e IDARTES . Durante ese mismo año obtuvo la Beca de docencia de la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad de los Andes de Bogotá y la Mención de Honor en el Premio Nacional de Crítica otorgada por el Ministerio de Cultura y Universidad de los Andes. Actualmente finaliza la maestría en Estudios Culturales en la Universidad de los Andes y trabaja como curadora independiente. Vive en Bogotá
La Usurpadora
María Isabel Rueda (Cartagena, 1972)
Mario A. Llanos (Barranquilla, 1988)
María Isabel Rueda es Maestra en Artes Plásticas en la Universidad Nacional de Colombia donde también realizó sus estudios de pregrado. Mario Llanos cursó estudios en Arquitectura e Interiorismo en la Universidad Autónoma del Caribe de Barranquilla. Como colectivo han organizado proyectos expositivos con artistas como Gustavo Turizo, Alfonso Suárez y Luis Ernesto Arocha en espacios como Lugar a Dudas (Cali), Muzac (Montería), Odeón (Bogotá) y Museo del Atlántico (Barranquilla), entre otros. Sus investigaciones están encaminadas a recuperar artistas del Caribe influyentes, pero cuyos aportes en el campo de las artes, no han sido estudiados a profundidad o resultan desconocidos dentro de la historia “oficial” del arte en Colombia. Viven en Puerto Colombia.